Mujer Dormida

Originario de Puebla, VJ  Jurado es un joven fotógrafo de la escena contemporánea mexicana. Sus tomas son una fiel representación del costumbrismo urbano, asimismo su obra le da lugar a la tranquilidad dentro del caos.

Formado en la práctica Jurado tiene un talento natural para capturar texturas y contrastes; a pesar de no creer en éstas, VJ  domina la técnica con maestría como si llevase toda una vida fotografiando instantes.

El folclor es la principal característica de su obra, sin embargo a diferencia de otros artistas cuya temática también tiende a lo popular, Jurado es un observador detallista con una capacidad asombrosa para hallar lo diferente en lo cotidiano. Un ejemplo claro de esto podemos verlo reflejado en Pizza-Pizza, Alucinando, Cha cha cha y Luz, imagines que sin forzarlas caminan en los linderos del pop art.

Otro aspecto característico de su obra es el juego que desarrolla entre título y fotografía, en su mayoría retoma los nombres de canciones, en ocasiones creando una antítesis y en otras  resaltando el ingenio e ironía con la que percibe el mundo.

Jurado también es un fiel representante del paisajismo poblano, en sus tomas se asoma el amor a la tierra que lo vio nacer; algunos son paisajes en movimiento capturados en las primeras horas del día como en el caso de Mujer dormida y Por aquí pueden pasar, en las que el color y la perspectiva le muestran al espectador que aún existen paraísos terrenales.

Lo mismo sucede con sus paisajes estáticos en los que se retrata el instante preciso en que desaparece el atardecer y llega la noche, imágenes como Shine a light y Juntos en las que captura sensaciones como el soplido del viento y el juego entre amantes.

Shine a light

Interesante, divertida y sin pretensiones la obra de VJ Jurado no sólo es un flash en el tiempo sino narrativas que permanecen en la memoria de los espectadores. En sus fotografías también existen personajes, historias que inventa para impregnar de color su  diario andar. Tal es el caso de su serie creada desde las salas de espera de un hospital en las que el entorno asfixiante lo matiza con tonos rojos que cuentan sus vivencias de Una noche de verano.

Pizza-pizza

La fotografía de Jurado es un sendero cuyas vertientes son infinitas, este poblano de 29 años nos regala la posibilidad de reconstruir las historias, de imaginar un universo en solitario listo para ser contemplado, listo para ser habitado, así tal cual es.

 Señores ¡Arriba las garras!, esto es un asalto del Cerebro que hay detrás.

Entre los proyectos que mejor ejemplifican su labor se encuentra Love poems (2004), una traducción de poemas de amor escritos en 1957 por el poeta uruguayo Idea Vilariño. Alejandro Cesarco describe esta obra como una forma secreta de apropiación que investiga el potencial de la traducción literal como un acto visual.

Sus proyectos son un reflejo de sus preocupaciones como la circulación de información entre diversos contextos culturales, el trabajo artístico como un acto cultural e incluso político, la escritura como imagen, la traducción como re escritura y finalmente la re escritura como apropiación.

Tras la muerte de su hijo quien cae de la ventana mientras  hacen el amor, Ella entra en un estado de depresión profundo, Él  psicológico de profesión y con intención de ayudarla la somete a un tratamiento, mismo que tiene como base enfrentarla a sus propios miedos.

La acción de sanación por así decirlo los lleva aislarse en el Edén, un chalet en el bosque que representa el espacio de encuentro consigo misma. La historia se divide en cuatro capítulos: descenso al averno de la mente humana, desconsuelo, dolor y desesperación.

Este filme entra en contacto con el lado más vulnerable de la conciencia humana, para las personas que han sufrido depresión, el largometraje es un reflejo de la lucha interior que libran día con día.  Asimismo es un ejemplo de lo que puede llegar a ocurrir cuando las emociones se disparan al límite en la búsqueda de una identidad que te haga tocar tierra.

Metafóricamente, Anticristo aborda una doble historia, la de Adán y Eva  y la naturaleza como el diablo; la mujer como el origen del mal quien al dejar morir a su hijo pierde toda posibilidad de acceso al Edén.

Escalofriante, en ocasiones exagerada, la opera prima de Lors Von Trier juega con las escenas, crea conceptos visuales del árbol como origen y deseo, del placer sostenido en el tiempo. Además se aferrarse a las imágenes del subconsciente las cuales le indican al espectador el grado de desesperación que viven los personajes; los sonidos también son importantes ya que marcan el suspenso.

Cine creado como por impulsos Anticristo es una buena opción para los más atrevidos y no en definitivo no es una película de terror como fue clasificada.

 Actualmente (híjole está ocasión les fallo, justo la acaban de quitar de Cinema Lumiere Reforma, pero pueden descargarla). ¡Disfrútenla!

Si desde aquí partimos, lo único que queda claro es que en ocasiones no existe ética por cumplir cuando se es periodista. Al menos es la imagen que Trupan Capote (la película) nos hace llegar a través de la actuación que le valió el Oscar como mejor actor a Philip Seymour Hoffman. Hombre de convicción Capote persigue a toda costa su fechoría y nos permite indagar en las tácticas y estrategias empleadas en la consumación del éxito a través de la publicación de su última novela A sangre fría.

1966 y Holcomb sueña con trigueras y cielos azules de los cuales descienden ilusiones. Con la soga atada al cuello Perry y Hickook yacen en la conciencia del pueblo pero también en la de Capote, quien entre líneas deja ver al “ser humano” capaz de conmoverse por la vida de dos hombres condenados al cadalso.

Dos visiones se contraponen. La voz del escritor homosexual que denuncia a través de un relato de no ficción el actuar de dos criminales a los que con el paso de la historia va sensibilizando a tal grado que el lector llega a sentir empatía por ellos; (en mi caso me atrevo a decir; los justifico), al menos a Perry cuya historia nos habla de un hombre corrompido por su destino.

Por otro lado se encuentra la visión de Bennett Miller quien basado en el texto de Gerald Clarke “Capote una biografía” inmiscuye al espectador en el proceso creativo de Truman y nos comprueba la frialdad que puede llegar a existir tras la búsqueda de “la nota”.

La historia lo es todo, sin embargo al apreciar ambas partes puede asegurarse que si lo que se busca es un ángulo de 360 grados sobre la construcción de la misma, es imprescindible sumergirse en ambas versiones.

Y ahí, justo en el punto donde se fusiona la cinematografía con la literatura es que las dudas se hacen presentes. Es ese el momento adecuado para poner en cuestión discursos tan complejos como el derecho a vivir, decidir o morir.

Es ahí entonces, cuando viene a la mente la culpabilidad que en algún momento puede llegar a sentir Capote pues a través de su investigación logra prolongar los años de juicio para los asesinos de los Clutter.

En todo caso, Truman Capote la película nos deja pensado en el cargo de conciencia con el que el escritor de A sangre fría termina su novela después de cinco años. Un lapso en el cual se hace “testigo a voz” de los hombres que brutalmente asesinaron a la familia, un periodo en el cual, parece entablar una relación más allá del entrevistado entrevistador.

Es decir, la de un amor casi paternal por Perry, quien abismado en su dolor por haber cometido tan terrible crimen se deja cobijar por los cuidados de Truman quien aprovecha su estado de fragilidad para sustraer todos aquellos datos que convierten a Hickook y Perry en despiadados asesinos sin darse cuenta que entre más indaga, más va trazando con ellos el cumplimiento de su condena.

Por ende el largometraje en torno A sangre fría representa lo que calla la novela, las sensaciones del autor que no pueden vislumbrarse a través de la narración omnisciente. La tormenta que se vive al no poder separar el espacio humano del periodístico. Pues después de todo, la monstruosidad que el periodista va forjando en el camino, es tan sólo un reflejo de nuestra deleznable sociedad.

Para prueba basta un botón. Regresar el tiempo a la entrevista que alguna vez se le hizo a Capote donde tartamudo y ebrio aseguró: “Soy marica, borracho y chismoso…pero soy un genio”.

En brazos, Pedro Infante no carga una guitarra sino una escopeta; en esta ocasión, la Asamblea de Artistas Revolucionarios de Oaxaca (ASARO) vela por el cumplimiento de justicia en San Juan Copala; comunidad que desde hace varios meses se ha enfrentado a los ataques por parte del grupo armado Ubisort, quien asesinó al líder de los triquis así como a defensores de derechos humanos. La razón, una aparente represalia a la declaración de autonomía de este poblado.

Bajo este contexto en el que se busca la forma de defender los derechos del pueblo es que trabaja ASARO un grupo de artistas que surgió en 2006 tras la convocatoria de unir a todos los colectivos artísticos “para luchar contra la tiranía del gobierno” tal como afirma la asamblea en su blog.

Grafiteros, grabadores, pintores, fotógrafos, diseñadores, caricaturistas, estencileros y video astas, todos ellos a través del arte buscan un bien común.

En todos los casos, el arte permite y ha permitido a un sin número de artistas a lo largo de la historia defender aquello que Cristina Híjar, miembro del Centro Nacional de Investigación, Documentación e información de Artes Plásticas (Cenidiap) llama “la inclusión a una pequeña utopía”.

Y es que cuando se le pregunta cuál considera que ha sido el papel que ha jugado el arte dentro de los movimientos políticos y sociales del país. Ella responde que es de gran importancia pues, tiene la posibilidad de anticipar nuevas realidades; imaginando dice “se puede vislumbrar la posibilidad de los cambios, puede también interpelar de manera efectiva. No todo se reduce a la demanda o al manifiesto propiamente político, hay que afectarlo todo y el arte es un medio y una herramienta útil para la construcción de una nueva subjetividad, indispensable en estas luchas”.

En México varios han sido los interesados en tomar la estafeta para sanar mediante el arte el tejido social, pero sobre todo para lograr que la población haga una crítica histórica y una reflexión sobre la realidad; con la característica particular de unificar conciencias, tal como sucedió con el surgimiento de grupos culturales y artísticos en el siglo XX quienes buscaron en la creación colectiva, una alternativa para unirse a las luchas sociales; justo como ocurrió menciona Cristina con “la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios (1934) y su activismo contra el fascismo y el nazismo; y las campañas educativas y al servicio de las luchas populares del Taller de Gráfica Popular (1938)”.

Del arte en lo político

En específico, el manifestar político fue de gran relevancia para las propuestas artísticas de grupos como Germinal, Proceso Pentágono, Mira, Taller de Arte e Ideología y Suma quienes durante los años setenta tuvieron como objetivo hacer una demanda social por las desigualdades y contradicciones de la modernidad mexicana. Así mismo trabajaron aspectos centrados en la conciencia latinoamericana, basado en las dictaduras militares, el imperialismo y la utopía.

Fue durante esta época que el arte urbano comenzó a consolidarse en México, ya que estos grupos visuales tomaron las calles y plazas para ejercer su libertad de expresión. Las instalaciones se hicieron más frecuentes dentro del ejercicio artístico.

Con el paso del tiempo, el modo de los artistas para hacer llegar su mensaje fue cambiando. Se fueron anexando a las mantas, a los cánticos y a los carteles, expresiones como el grafiti, calcomanías, performances, y ambientaciones.

Cualquier manifestación artística señala Cristina Híjar puede significar una lucha, siempre y cuando “el servicio esté claro, no en sentido utilitario, sino en el de poner los recursos de significación que poseen los artistas al servicio de estas luchas y la afectación de comunidades concretas”.

“Plasmar la verdad nos hará libres”

Escribe ASARO en su blog y al indagarlo encuentras en él, un gran número de grabados que remiten a la temática utilizada por los muralistas: la defensa del obrero, la lucha armada, el campesino.

Los tapetes de arena son recurrentes en sus obras, no sólo recrean un ejercicio de conciencia a través de lo que ahí plasman, también nos hablan de tradiciones, asocian el presente con el pasado, se fusionan las realidades. “Nada ha cambiado el pueblo sigue reprimido”.

En cuanto al esténcil, hay un poco de todo; toman a personajes de la revolución y los visten de punks, utilizan a estrellas de la época de oro del cine mexicano y las complementan con un juego de palabras.

Pero la intención va más allá que deformar a los personajes y colocarles un toque warholiano. ASARO se manifiesta a favor de la inclusión y en la lucha por generar nuevas reglas de participación social y un cambio profundo en la conciencia de los oaxaqueños.

“Somos un movimiento de creación artística y de renovación de las reglas de juego político. Proponemos iniciar un movimiento artístico, donde el fin sea el contacto directo con la gente, en las calles y espacios públicos”, escribe la asamblea de artistas en su perfil.

¿Sobre la crisis del arte en los movimientos políticos?

Sobre este aspecto, la diseñadora Cristina Híjar responde con un rotundo “no”; no existe una crisis en este aspecto los artistas oficiales o quienes consideran que la política ensucia o contamina a la producción artística, nunca han estado ni estarán de este lado de la cancha.

Sin embargo señala, “los movimientos cuentan siempre con trabajadores del arte y la cultura, más que artistas, además de generar espacios para la creación colectiva; hay también artistas de gran prestigio que manifiestan constantemente su solidaridad y apoyo desde donde están, contribuyendo desde su particular quehacer y posición al conocimiento y difusión de estos movimientos sociales y generando solidaridades muy valiosas”.

Ya sea una huelga, una marcha, un festival o las calles de la ciudad; el arte y lo político se mezclan, devienen de lo social. Pero ante todo el arte está presente en los movimientos sociales y políticos de cualquier país con la intención de proveer a la comunidad de una opción distinta de concebir su mundo, de generar reacciones y sensaciones.

Sea como sea su expresión, el arte halla su espacio en este tipo de fenómenos; a través de murales como los de Atenco o del territorio zapatista, e incluso en aquellos que fueron pintados durante la huelga de la UNAM en 1999 y que posteriormente el gobierno hizo desaparecer.

Los ciudadanos hablan

Le dicen Morf0; participa en un blog de nombre el Chahuistle, sitio en el que acompañado por otros personajes de twitter informan a la gente sobre la situación del país “sin caravanas, ni concesiones” tal como ellos mismos definen el contenido de su blog.

No está relacionado con las artes como tal sin embargo, está convencido de que “el arte es un arma de la inteligencia”
“Arte y cultura son dos cosas distintas”. La cultura es un sistema de instituciones o propaganda; el arte es una fuerza social.

Y cuándo se le pregunta sobre ASARO, Morf0 responde inmediatamente sí, los conozco supe de ellos luego de los hechos violentos de Oaxaca, lo qué hacen es definitivamente muy “valioso y transgresor”.

Pero no todas las opiniones entre los ciudadanos coinciden, hay personas como Doña Gloria que no confían en esos “vándalos que pintan sus paredes”, lo que hacen no es arte, “el arte se hace en los museos, no en casas ajenas”.

Mirando al futuro

ASARO es un ejemplo de cómo sigue vigente la fuerza artística para el desarrollo del país; repercutiendo favorablemente en las causas de la comunidad de los pueblos de Oaxaca. Colectivos como éste, indican que la participación de los artistas en la política sigue existiendo. La intención por ayudar a la sociedad a través del arte no murió con los grupos visuales del siglo XX.

Lo que se puede decir con seguridad argumenta Cristina, “es que las manifestaciones artísticas, las acciones estéticas de praxis política permanecerán en las luchas y los movimientos, mientras haya causas justas y los artistas y trabajadores de la cultura asuman su ser social, asuman una postura política y tomen partido, al igual que los abogados, los antropólogos, los investigadores y maestros o cualquier profesional”.

“Las necesidades de expresión y significación de las luchas seguirán existiendo y confío en que siempre habrá quienes puedan y quieran satisfacerlas como un compañero más, como un militante más en una causa mayor”.

Lo que resulta aún más lamentable es que se siga recurriendo a las compañías extranjeras para el montaje de exposiciones tal es caso de El Miedo la cual corrió a cargo de la empresa italiana “Museo de la Toscana A.C.” que con anterioridad  trajo México: Asesinos Seriales, Brujería e instrumentos de Tortura y Pena Capital. Exposiciones que recorrieron toda la república y fueron bien recibidas por la población.

Sin embargo, no importa el número de asistentes que hayan tenido dichas exposiciones. Lo que realmente vale;  es estar conscientes de la poca relevancia  que tiene el arte en el país.  Si bien no podemos descalificar la cultura popular, es un hecho que los espacios en los que se presentó (San Pedro Museo de Arte) y actualmente presenta la exposición El miedo (Palacio de la Autonomía), son lugares desperdiciados que bien podrían ser ocupados por artistas jóvenes, cuyas propuestas son más enriquecedoras que el lado oscuro de Quetzalcoatl o ver a Elizabeth Báthory La condesa sangrienta tomando una ducha.

Si está es la forma en la que las autoridades culturales planean atraer a niños y jóvenes a los museos; se está fomentando entonces un aletargamiento aún mayor en la juventud pues exposiciones como éstas no contribuyen a desarrollar en el individuo un pensamiento crítico, capaz de analizar y relacionar la obra con el entorno. Sino todo lo contrario; El miedo es un claro ejemplo de cómo en la actualidad, se ofrece a la población un producto cultural cada vez más digerido.

En conclusión, El miedo está de miedo. Pues durante hora y media aproximadamente realizas un recorrido por los mitos y leyendas que han acompañado esta sensación  a lo largo de la historia. Desde Drácula hasta el hombre lobo, pasando por la Medusa y el Chupacabras y así hasta que el cuerpo aguante por que la lista de personajes monstruosos es interminable.

Exposición plana con nula noción de la museografía.  Y aquello de acompañar todo el recorrido con un audio que te vaya haciendo la descripción de cada uno de los personajes, solo señala la falta de imaginación de la compañía italiana.

Contar mitos y leyendas que todos sabemos de una forma tan simple y aburrida como lo hace la exposición El miedo; tan sólo le sigue restando puntos al sistema cultural del país. ¿No sería más fácil comenzar a mirar al interior tomando en cuenta el talento mexicano? ; Pero sobre todo comprometiéndose a ofrecerle a los ciudadanos una cultura popular con un “valor agregado”.

Lo primero que viene a mi mente es esa línea del tiempo, la clasificación del trabajo del pintor belga  a través de los años, que a su vez era explicada por acontecimientos  relevantes a nivel mundial y  que se desarrollaban simultáneamente.

En segunda instancia, viene a mi mente el color de las salas, tonos oscuros que sumergen al espectador en ese universo compuesto por 152 piezas que resaltan los periodos más significativos de Magritte. Vienen los objetos: pinturas, fotografías y partituras colocadas como en una especie de laberinto donde el juego de imágenes comienza y se pone en cuestión la relación entre el objeto real y lo que se observa.

Y las personas transitan en las salas entre pantallas interactivas de donde llueven hombres con sombrero de bombín, y visualizan incluso jarrones decorados por Magritte, y se desprenden de sus cuerpos cuando se colocan frente a alguna de sus pinturas. Tal es el caso de La violación, en la que el rostro de la mujer está formado de puro sexo.

Así paralelamente desfilan obra y espectador y se funden concepciones, significantes de lo pintado. Paisajes, aves, hombres y mujeres que dan la espalda, son elementos que componen la exposición elaborada con la colaboración de 34 instituciones, y coleccionistas particulares de nueve países diferentes.

Y entonces, recaigo en los paisajes y ese contraste entre los mismos, realismo en la cabaña y surrealismo en el cielo;  y en el hombre que montado a caballo (El cheque en blanco) avanza entre senderos boscosos donde el movimiento lo oculta tras los árboles  y sin embargo Magritte nos lo permite ver.

Pero sin lugar a dudas lo que más llega a mi mente cuando recuerdo la exposición es la sala lúdica, ese espacio en el que los adultos retroceden el tiempo y te das unos minutos para ser ese niño en la cabeza de René Magritte. Y juegas a las composiciones y haces cadáveres exquisitos entre objetos, imágenes y palabras.

Y se termina el juego que al salir, de la sala los surreal ha quedado sólo como ráfagas en mi memoria.

Así es como Itandehuitl incide en el pensamiento del espectador de tal manera que la primera impresión que llevamos al acercarnos  a uno de los cuadros es el juego que representa la memoria en el acto de amar.  Esto a través del  fondo del collage; es decir de  la hoja de un electro encefalograma   que no sólo resuelve el sentido estético de la obra sino el armónico pues dota de equilibrio al resto de los elementos.

Para esta exposición la artista trabajó la obra desde su nivel más básico, es decir persiguió el proceso de creación por el que deberían a travesar todos los artistas. En primera instancia Itandehuitl vertió la esencia de las cartas de Eduardo complementándolas con timbres postales, una invitación de bautismo y telegramas que en su conjunto significaron la síntesis de ese amor entre Eduardo y Ana.

Posteriormente Itandehuitl halló en las cartas una composición interesante visualmente hablando pues la conjugación de papel viejo y desgastado con la letra cursiva marcó un tiempo que hace referencia a una época en que los valores de la sociedad aún no eran corrompidos por la saturación de la era postmoderna. Donde mantener una relación afectiva  implicaba sólo eso la representación del amor a través del respeto mutuo.

Por otro lado, la extrema soledad de la que habla Roland Barthes cuando dice que el amor es de una extrema soledad podemos encontrarlo  a través de nuestra propia vivencia al momento de contemplar el collage y de hacernos parte de esa serie de cuadros que nos llevan a recrear no sólo la historia de Ana y de Eduardo sino la nuestra propia.

El encanto de “Fragmentos de un discurso amoroso”  no se halla entonces en lo que podemos apreciar sino en las sensaciones que produce sobre nosotros esa asociación;  ya sea la ausencia o presencia de ese ser que nos complemente.

La exposición para quien quiera visitarla es una propuesta interesante y diferente a todo lo que Itandehuitl acostumbra hacer y permanecerá abierta tres semanas en el Museo de la Estampa de Toluca.

La necesidad de esta exposición tal como señala Roland Barthes en su libro “Fragmentos de un discurso amoroso” se sustenta en la consideración de que “hoy en día el discurso amoroso es de una extrema soledad”.

A través de un trabajo collage, Itandehuitl toma las premisas del libro de Roland Barthes para armar una exposición en la que busca reconstruir la historia de dos personas que durante varios años mantuvieron un amor a distancia a través de una serie de cartas; poniendo así en evidencia la representación del discurso amoroso como algo “solitario, dinámico y desordenado”.

Lo único que permanece de aquella relación entre Eduardo y Ana quien funge como el objeto amado es el papel corroído por el paso del tiempo y las letras que se desvanecen. Dejando claro así que “el discurso amoroso no es una filosofía del amor sino una mera afirmación del mismo”.

Egresada de la maestría en arte urbano de la Universidad Nacional Autónoma de México, Itandehuitl es una artista joven  quien a través del performance y las instalaciones ha trabajado con el concepto de individuo como un ente que busca la supervivencia en una sociedad resquebrajada como la nuestra.

“Fragmentos de un discurso amoroso” es por ende una invitación al espectador para dejarse llevar por ese sentimiento que todos han vivido en alguna ocasión pero que pocos comprenden.

Y bien; Bill Bryson nacido en Estados Unidos en 1951 es un periodista que ha pasado la mayor parte de sus días en Inglaterra, pero sobre todo es un amante de la vida y es por ello que ha dedicado  gran parte de la misma a viajar de un lugar a otro para ir recolectando memorias que posteriormente plasma y da a conocer a través de libros como: Notes for a big country, Bill Bryson´s african diary, The lost continent: travels in a small-town America, Notes from a small island; entre otros.

Pero el asunto no para ahí ya que no satisfecho con sus múltiples viajes; en 2003 Bill Bryson le presenta al mundo entero uno de sus más brillantes trabajos; sí precisamente este del que hablábamos líneas arriba Una breve historia de casi todo, mismo con el que fue galardonado con el premio Aventis como el mejor libro de ciencia general; y es que cuando decimos general nadie se imagina que efectivamente exista algún texto que pueda incluir un poco de casi todo.

Sin embargo este libro es la excepción;  ya que Bill Bryson logra unificar todo aquello que es indispensable para llegar a comprender el enmarañado mundo de la ciencia, pero no sólo eso sino que lo hace de una forma divertida. A manera de anécdota te va narrando las peripecias que tuvieron que pasar algunos científicos tan conocidos como Darwin para realizar El origen de las especies u otros poco conocidos como Henry Cavendish quien previó la ley de la  conservación de la materia.

Es decir; en este libro ninguno es menos importante que otro,  a cada uno les da su lugar y nos revela precisamente esas envidias que llegan a surgir en el mundo de la ciencia y que muchas veces entorpecen el avance mismo.

En Una breve historia de casi todo, Bryson nos abre las puertas a temas que si en alguna ocasión llegaron a nuestros oídos, no pudimos entender con precisión cuál era su  importancia y toca puntos que podrían parecer tan ambiguos como  el origen del Universo, hasta fibras tan sensibles como la terrible realidad que representan los humanos al habitar este planeta.

Con Bryson se hace un recorrido en el tiempo y te lleva de la mano a través de los puntos más importantes que han ido marcando nuestra historia y los hallazgos más plausibles de la ciencia en general;  como es el caso de Linneo y su división del mundo animal,  o Mendeliev y su tabla de elementos químicos; así como el momento en que Watson y Crick descubrieron la estructura del genoma humano.

Pero como el mismo título señala; no sólo se habla de las cosas buenas en torno a la ciencia sino que también Bill Bryson se lanza a realizar una denuncia disfrazada de  seducción literaria en la que pone muy en claro que aún en esta época existen ciencias a las que se deja de lado como es el caso de la oceanografía pues como Bryson asegura: “tenemos mejores mapas de Marte que de nuestros lechos marinos”.

Lo más interesante de Una breve historia de casi todo es quizá que nos permite acercarnos a nosotros mismos, darnos cuenta de los seres tan complejos que somos y de lo que estamos hechos es decir pura proteína.

Somos en la tierra tan complejos pero insignificantes a la vez pues la realidad es que los humanos modernos únicamente llevamos un 0.00001 % de la historia de la tierra. “Estamos en el principio de todo; el truco diría Bryson es asegurarnos de nunca encontrar el final”.

Justo aquí es cuando Bryson no sólo informa sino crea conciencia y te deja ver con datos duros que desde que el ser humano comenzó a habitar este planeta se ha encargado de destrozar las especies que a su alrededor encuentra.

Pero eso no es todo ya que además, Bryson deja al descubierto el valor tan importante que tienen seres tan diminutos como es el caso de las bacterias de las que muy poco sabemos incluso los hombres de ciencia quienes ignoran la diversidad tan grande que vive debajo de nosotros. El mundo dice Bryson “pertenece a lo muy pequeño y estamos aquí porque las bacterias así lo permiten”; procesan nuestros desechos, purifican el agua, mantienen productivos nuestros suelos, convierten lo que comemos en azúcares útiles e incluso hacen frente a microbios foráneos.

Así pasando de lo general a lo particular y viceversa, Bryson aborda la vida dándole importancia tanto a nuestro origen como al origen de nuestro origen es decir a la razón por la cual estamos aquí explicando de forma detallada lo afortunados que somos al vivir en reducidos márgenes de aceptación, por orbitar donde orbitamos, por el tamaño del sol, por el influjo gravitatorio estabilizador de la luna que hace que la tierra gire a la velocidad justa en el ángulo justo e incluso por la capacidad que hemos tenido de evolucionar; y que cuando no aparecen los elementos de la forma natural nos hemos podido adaptar a éstos en tolerancia.

En Una breve historia de casi todo Bryson presenta al lector un cumulo impresionante de información y  revisa todas las teorías; desde las más conocidas como la de la relatividad hasta las que se han presentado en últimas fechas como la teoría de las súper cuerdas misma que postula que las partículas son cuerdas vibrantes de energía que oscilan en once dimensiones.

En este libro Bryson también toca temas tan controversiales como los fenómenos naturales como lo que podría ocurrir en caso de que un asteroide se impactara con la tierra, “en minutos dice Bryson morirían millones de seres vivos y se desencadenarían maremotos, terremotos y explosiones volcánicas; la cantidad de hollín y ceniza taparía el sol por varios meses o años afectando los ciclos de crecimiento.

De la misma forma en Una breve historia de casi todo Bryson nos explica como una elevación en la temperaturas podría provocar una era glacial e incluso nos habla de los virus que en los últimos años le han quitado la vida a millones de personas alrededor del mundo como es el caso de la gripe porcina, el virus H1N1, el virus del VIH entre otros.

Como podemos ver Bill Bryson no miente al haber titulado su libro Una breve historia de casi todo; pues sintetiza el universo mismo y lo pone al alcance de nuestras manos. Escrito en un lenguaje claro le permite a cualquier mortal acercarse al impresionante mundo científico.

Ocurrente, anecdótico y previendo al lector de datos duros Bryson no sólo crea un libro para  entretener sino una opción viable para la educación en las aulas a cualquier nivel y es que no sólo los jóvenes o adultos pueden disfrutar a Bill Bryson, pues en 2008 este periodista decidió sacar una versión  para niños titulada Una muy breve historia de casi todo.

Con Bryson; la época en que la ciencia era aburrida o incomprensible llegó a su fin basta con revisar  Una breve historia de casi todo para percatarnos de lo impresionante que es la vida a nuestro alrededor; después de todo y como diría el propio Bryson: “la  vida sólo quiere ser, a veces no quiere ser mucho, de cuando en cuando se extingue y lo mejor es que a menudo la vida sigue de formas sorprendentes.”

Ya que después de todo queridos lectores; y si con suerte corremos, únicamente contamos con 650 mil horas para hacer y deshacer, averiguar e ignorar todo lo que nos rodea.